로버트 캉팽(Campin)

로버트 캉팽 1378/9 - 1444

Campin은 Flémalle의 대가와 동일한 것으로 여기며 반 에이크(van Eyck) 와 함께 15세기 초 네덜란드 유화 의 사실주의 양식의 창시자 였습니다. 그의 영향력은 그의 제자 Rogier van der Weyden 에 의해 더욱 확장되었습니다 .

Campin은 1406년부터 Tournai에서 활동했으며 15세기 초 네덜란드는 부르고뉴 공국에 속해 있었습니다. Campin 작품의 사실적인 디테일은 부르고뉴 조각과 관련된 인물의 무게감을 동반합니다. 이는 이탈리아의 피렌체 초기 르네상스 예술가들의 작품과 유사합니다. 이러한 특성은 그의 초상화에서도 드러납니다. 출처 내셔날 갤러리

수태고지 삼폭화(메로데 제단화)

아티스트: Robert Campin (네덜란드, ca. 1375-1444 Tournai)

날짜: ca. 1427~32

문화: 남부 네덜란드

매체: 참나무에 유채

치수: 전체(열린 상태):64.5 x 117.8cm)

중앙 패널: (64.1 x 63.2cm)

각 날개: (64.5 x 27.3cm)

방에 막 들어간 가브리엘 천사는 성모 마리아에게 그녀가 예수님의 어머니가 될 것이라고 말하려고 합니다. 왼쪽 안구를 통해 쏟아지는 황금빛 광선은 십자가가 달린 소형 형상을 담고 있습니다. 오른쪽 날개에는 동정녀 마리아와 약혼한 요셉이 목수 작업장에서 판자에 구멍을 뚫고 일하고 있습니다. 벤치 위의 쥐덫과 거리로 통하는 상점 창문에 있는 쥐덫은 십자가를 악마의 쥐덫으로 식별한 성 어거스틴의 글에 언급된 내용을 암시하는 것으로 생각됩니다. 왼쪽 날개에는 무릎을 꿇은 기증자가 열린 문을 통해 중앙 장면을 목격하는 것처럼 보입니다. 그의 아내는 그의 뒤에 무릎을 꿇고 있고, 마을 사자는 정원 문에 서 있습니다. 소유자는 개인 기도에 사용하기 위해 삼부작을 구입했을 것입니다.

특히 상세한 관찰, 풍부한 이미지, 최상의 상태로 인해 가장 유명한 초기 네덜란드 그림 중 하나인 이 삼부화는 때때로 거장이라고도 불리는 로베르 캉팽(약 1375~1444)의 투르네 작업실과 관련된 그림 그룹에 속합니다. 플레말. 문서에 따르면 그는 젊은 Rogier van der Weyden (ca. 1400–1464)과 Jacques Daret (ca. 1404–1468)이라는 두 명의 조수를 고용했습니다. 문체적, 기술적 증거에 따르면 제단화는 단계적으로 제작되었음을 알 수 있습니다. 약간 더 이른 워크샵 구성을 따르는 수태 고지는 아마도 의뢰되지 않았을 것입니다. 얼마 지나지 않아 남성 기증자는 두 명의 예술가가 그린 것으로 보이는 날개를 주문했습니다. 그 후인 1430년대, 아마도 기증자의 결혼 이후인 것으로 추정됩니다. 그의 아내와 메신저의 초상화가 추가되었습니다. 원래 금박으로 덮여 있던 중앙 패널의 창문은 푸른 하늘로 칠해졌고 나중에 갑옷 방패가 추가되었습니다. 출처 : 메트로 폴리탄 미술관

로베르 캉팽Robert Campin, ?1380~1444 이 그린 <메로드 제단화>

작품의 중앙 패널은 '수태고지를 묘사하고 있습니다. 수태고지는 대천사 가브리엘이 마리아 앞에 나타나 "성령에 의해 잉태하셨습니다"라고 고하는, 매우 중요한 순간입니다.

이 그림이 알기 쉽고 매우 사실적으로 표현되었습니다.이 그림을 주문한 사람 역시 그림 속 마리아가 잉태 소식을 듣고 있는 방과 비슷한 곳에서 살았던 시민 계급이었을 것입니다.

이 그림은 확실히 알기 쉽고 친근한 방법으로 《성서》의 내용을 그리고 있지만, 실은 매우 부적절한 표현으로 그려졌습니다. 왜냐하면 당시 흔히볼 수 있는 일반 가정의 거실 같은 세속적인 공간에서 성스러운 인물과 이야기를 풀어내는 것은 당치도 않기 때문입니다. 그렇지만 미술에서는, 특히 후원자가 있는 경우에는 사회의 필요와 요구에 부응하는 것이 중요했습니다. 무엇보다 손님은 왕이고 바로 그들이 일상을 사실적으로 드러내는 회화를 원했으니까요. 로베르 캉팽이 그린 수태고지에 숨겨진 상징을 풀어 볼까요?

탁자 위 흰 백합은 마리아의 순결을 의미합니다. 왼쪽 깊숙한 곳에 그려진 수건과 물그릇은 세면도구, 즉 몸을 청결하게 하는 도구이므로 역시 마리아의 순결을 상징합니다. 이 모든 것은 수태고지라는 주제와 직접적으로 연결됩니다. 마리아는 순결한 몸으로 예수 그리스도를 잉태했다는 것을 나타내는 것이지요. 왜 이렇게 마리아의 순결을 강조했을까요? 정말로 처녀의 몸으로 임신한다는 게 가능한지 의문을 품은 사람이 있었기 때문입니다. 당시에는 그렇게 생각하는 것만으로도 이단으로 취급받기는 했지만 말입니다. 다음으로 탁자 위의 촛대에 주목해 봅시다. 심지가 빨갛고 연기가 나는 걸로 봐서 이제 막 불꽃이 꺼졌나 봅니다. 앞서 언급한 대로 미술은 새로워졌지만 당시 사람들의 종교관은 아직 중세와 고딕 시대에 머물러 있었습니다. 예를 들어 “신은 빛"이라는 사고방식은 그대로였기 때문에 빛이 사라진 순간 그 빛이 마리아의 태내로 들어갔다고 느꼈습니다. 오른쪽 패널에 그려져 있는 사람은 마리아의 정혼자 요셉입니다. <메로드 제단화>는 서양 미술사 속에서 예수의 양아버지였던 요셉이 정확하게 묘사된 최초의 작품이기도 합니다. 목수였던 요셉의 작업대 위에는 작은 상자 같은 게 놓여 있습니다. 이상자의 정체는 다름 아니라 쥐덫입니다. 성 아우구스티누스의 "주의 십자가는 악마를 잡는 쥐덫" 이라는 말에서 제재를 얻은 것입니다. 왼쪽 패널에는 이 제단화를 주문하고 교회에 기증한 부부가 그려져 있습니다. 이 부부의 뒷 배경에는 장미 관목과 제비꽃 등이 그려져 있는데, 장미는 마리아의 순결과 자애를 표현하고 제비꽃은 마리아의 겸양을 드러내는 등 여기에도 여러 가지 상징이 숨어 있습니다.숨겨진 상징의 의미를 모든 주문자가 이해하고 있었던 것은 아닙니다. 알아채지 못할 경우에는 화가가 주문자에게 설명해 주는 것이 일반적이었습니다. <메로드 제단화>에 그려진 쥐덫은 당시의 교양인도 쉽게 이해할수 없는 종교적 의미를 지닌 상징이었습니다. 주문자가 그려 달라고 한 것인지 화가가 스스로 창작한 것인지 알 수 없지만, 고매한 종교적 교양을 지닌 인물의 영향이 있었다는 점은 확실합니다.

출처 : 처음 읽는 서양 미술사

여자 1435년경

참나무에 달걀 템페라를 곁들인 오일

치수 40.6×28.1cm

이 눈에 띄는 여성 초상화는 Campin의 A Man 과 짝을 이룹니다(아래 남자 초상화 참조) . 시터들은 확실히 결혼한 상태였습니다. 우리는 부부의 모습을 보여 주지만 Campin은 그들의 성격과 관계도 전달했습니다. 그 여자는 남편보다 젊어 보이고, 더 강인하고 낙천적입니다.

그녀의 화려한 보라색 후플랑드는 단단하고 넓은 벨트로 좁은 주름으로 잡아당겨져 있으며 소매는 회색 털로 장식되어 있습니다. 그녀는 카보숑(자르지 않은) 돌이 달린 금반지와 캉팽이 기하학적인 주름으로 가공한 세 조각의 흰색 천으로 만든 정교한 머리 장식을 착용하고 있습니다. 그녀의 목에는 턱과 목을 덮는 기혼 여성이 착용하는 천인 바베트 가 있습니다. 그녀의 머리에는 감싸는 울부짖음이 있습니다, 그녀의 헤어 스타일로 만든 겸손한 뿔 위에 두 개의 봉우리를 형성합니다. 천의 가장자리는 홈이 파여 있거나 고퍼 처리되어 있습니다. 즉, 가열된 다리미로 주름을 잡고 핀으로 층을 고정했습니다. 그녀도 남편처럼 옷을 잘 차려입었지만 그들의 옷은 지나치게 고급스럽지는 않습니다. 이것은 그들이 아마도 Campin이 살고 일했던 Tournai 출신의 부유한 마을 사람들이었음을 시사하지만 우리는 그들의 신원을 알지 못합니다.

Campin은 미묘한 기하학적 패턴을 사용하여 각 시터의 특성을 강화하고 다양한 방식으로 조명을 비췄습니다. 여성의 가까운 눈은 패널의 중앙에 있으므로 남편과는 달리 여성은 구도를 지배합니다. 그녀의 눈은 밝고 활짝 열려 있으며, 반짝이는 캐치라이트가 있고, 그녀의 홍채는 아래 눈꺼풀에서 뚜렷이 드러나고, 눈썹은 윗 눈꺼풀보다 훨씬 위에 있습니다. 그녀의 피부는 매끄러우며, 코끝은 위로 올라가고 눈은 모서리에서 위로 휘어져 있는데, 그 움직임은 그녀의 머리 장식의 바삭바삭한 주름으로 울려 퍼지고 증폭됩니다.

Campin은 이 그림에서 천천히 건조되는 유성 페인트의 기술적 가능성을 최대한 활용했습니다. 그녀의 베일의 홈이 있는 가장자리는 매우 연한 회색인 베일에 젖은 상태로 행해진 두꺼운 흰색 선을 칠하여 완성되었습니다. 베일의 특정 윤곽을 강조하기 위해 그는 페인트에 선을 그은 다음 절개 부분을 따라 어두운 선을 그려서 더 강조했습니다. 예를 들어 여성의 왼쪽 가슴을 가로지르는 베일의 접힌 부분에 다른 절개 선을 사용하여 반사광을 만들었습니다. 그녀의 모피 커프스는 회색으로 칠해졌고, 검은색 선은 젖은 상태로 칠해진 다음 드래그하거나 깃털을 달아 질감의 환상을 더했습니다.

한남자 1435년경

참나무에 달걀 템페라를 곁들인 오일

치수 40.7×28.1cm

남편과 아내임(위 여자)이 분명한 남자와 여자가 서로를 바라보고 있다. 그들이 누구인지는 알 수 없지만, 지나치게 부유하지 않은 옷차림으로 보아 비교적 부유한 마을 사람들이었음을 짐작할 수 있습니다.

초상화는 확실히 한 쌍으로 디자인되었습니다. 지지대의 참나무 판은 같은 나무에서 나왔습니다. 칠해진 표면의 측정값은 1밀리미터까지 동일합니다. 둘 다 가장자리에 원래 프레임에서 나온 동일한 녹색 안료의 흔적이 있습니다. 둘 다 뒷면은 대리석입니다. 원래 프레임에서 이에 대한 모든 증거가 손실되었지만 원래는 서로 경첩으로 연결되어 이중 제화를 형성했을 가능성이 있습니다. 이것은 초기 르네상스부터 살아남은 가장 강력한 초상화 중 일부이며, 그 명확성과 신뢰성은 놀랍습니다. 머리가 강조되었지만(신체에 비해 약간 확대됨) 이는 남자와 여자를 확실히 설득력 있게 표현한 것입니다. 그러나 피부, 모피, 직물의 질감을 전달하는 Campin의 능력은 우리가 그가 시터의 옷을 배열한 기교와 심지어 그들의 특징까지 즉각 인식하지 못한다는 것을 의미합니다. 초상화는 단순히 부부의 모습을 표현하는 것이 아니라, 세상에 지친 나이든 남자와 밝고 낙천적인 젊은 여자의 모습을 보여주기 위해 고안된 고도로 정돈된 기하학적 구성입니다. 믿을 수 없을 만큼 숙련된 소묘가인 Campin은 패턴을 사용하여 이 작업을 수행했습니다. 남자의 처진 피부와 주름진 눈썹, 입가의 아래로 향하는 선이 옷의 라인에 반영되고, 여자의 얼굴과 옷은 위로 향하는 선의 패턴을 이룬다. 그녀의 손은 초상화 속으로 들어올려져 작품에 더욱 힘을 실어줍니다. 그러나 Campin은 초상화가 서로 잘 어울리도록 주의를 기울였습니다. 두 얼굴 모두 강한 빛을 받아 평평한 검정색 배경에 비해 눈에 띕니다. 둘 다 3/4 각도로 서로를 향해 안쪽을 바라보고 있습니다. 남자의 머리는 약간 더 크지만 Campin은 아내에게 손을 포함하여 더 큰 머리 장식을 제공하여 균형을 맞췄습니다. 대담하고 제한된 색상 구성과 신중한 구성이 그림을 하나로 묶습니다. 그의 모자의 빨간 꼬리가 대각선으로 떨어져 그녀의 하얀 베일과 만나 두 그림 사이에 강한 시각적 연결을 만듭니다. 나무의 좁은 띠는 프레임으로 덮여 있었을 것입니다. 프레임 패널은 전문 조이너에 의해 만들어졌을 것입니다. 프레임과 패널 모두에 기초가 놓이기 전에 아마도 아티스트가 프레임을 패널 주위에 만들었습니다. 이 두 초상화에서는 그림이 완성된 후에 액자를 장식했습니다. 녹색과 빨간색으로 대리석 무늬가 있는 것으로 보입니다. 등도 빨간색과 갈색의 대리석으로 덮여 있었지만 매우 손상되었습니다. 당시에는 그림이 항상 벽에 걸려 있지 않았기 때문에 때로는 뒷면도 장식되었습니다.